Nicéphore Niépce est considéré comme l’inventeur de la photographie. Né à Chalon-sur-Saône d’une famille très aisée d’avocats, il est promis à une carrière ecclésiastique jusqu’à ce qu’il y renonce pour s’engager en 1792 dans l’armée révolutionnaire. En 1806, de retour en Bourgogne après 10 ans passés à Nice, Niépce fait fructifier ses biens et montre ses premiers talents d’inventeur en créant avec son frère Claude le pyréolophore, sorte de moteur marin à explosion. Celui-ci ne sera finalement jamais commercialisé mais initie une série d’inventions toutes plus coûteuses les unes que les autres, l’obligeant à contracter des emprunts.

En contact permanent avec son frère Claude parti en Angleterre, c’est en 1816 que Niépce commence ses premières recherches héliographiques, et durant 11 ans il va développer son procédé jusqu’en 1824 où il indique à son frère dans une lettre : « La réussite est complète ». En 1826-1827, Nicéphore Niépce réalise le premier cliché photographique stable de l’histoire, intitulé Point de vue du Gras, à Saint-Loup-de-Varennes, depuis sa fenêtre.

Totalement endetté, à la limite de la ruine, Niépce cherche alors à faire connaître son invention et se trouve en contact avec Louis Daguerre. En 1829, une première association est née pour commercialiser l’invention, ce dernier bénéficiant de nombreuses relations dans l’industrie. Nicéphore Niépce meurt brutalement en 1833 à Saint-Loup-de-Varennes, sans avoir pu mener tous les essais qu’il souhaitait.

L’associé : Louis Jacques Mandé Daguerre (1787-1851)

Né le 18 novembre 1787 à Cormeille-en-Parisis dans le Val d’Oise, Daguerre est tout d’abord peintre, auteur de tableaux remarquables. Puis, devenu décorateur de théâtre, il met au point en 1822, en collaboration avec Charles Marie Bouton, le Diorama. Il s’agit de grandes toiles translucides animées par des éclairages leur donnant vie, générant une illusion de mouvement et permettant de simuler le jour et la nuit, le passage d’un nuage etc. Pour plus de réalisme, les deux associés utilisent une chambre noire pour projeter les images qu’ils reproduisent en grand format.

C’est grâce à Vincent Chevalier, opticien, que Daguerre fait la rencontre de Nicéphore Niépce. Après la mort de ce dernier, en 1833, il décide de poursuivre ses recherches pour perfectionner le procédé, et parvient à raccourcir à quelques minutes le temps de développement de l’image grâce notamment aux vapeurs de mercure. L’image latente est née.

Dès 1837, de l’eau saturée en sel marin lui permet de fixer cette image sur une plaque de verre : c’est l’invention du daguerréotype, présenté officiellement devant l’Académie des Sciences en 1839. Pendant une dizaine d’années, le procédé connaîtra un succès indéniable, y compris auprès du grand public, faisant la fortune de Louis Mandé Daguerre.

La photographie moderne : William Henry Fox Talbot (1800-1877)

Considéré comme l’inventeur de la photographie moderne, Henri Fox Talbot mène ses recherches à la même époque que Niépce et Daguerre, dès 1833. Il est même persuadé d’être le véritable inventeur du procédé photographique.

En 1840, il découvre le calotype qui permet par le principe du négatif, de reproduire plusieurs fois la même vue par tirage contact. Il installe une feuille de papier enduite de chlorure d’argent dans sa chambre noire, obtient un négatif qu’il cire pour le rendre transparent. Ce dernier est ensuite placé sur une feuille imprégnée qui est exposée à la lumière du jour, créant ainsi une image positive.
Cette technique sera la base de la photographie argentique moderne pendant un siècle et demi, et reste d’actualité.

Le négatif : George Eastman (1854-1932)

Les premières épreuves photographiques étaient gravées sur plaques, lourdes, encombrantes et difficiles à manipuler. George Eastman est le premier en 1884 à mettre au point des négatifs souples : c’est la naissance du film celluloïd qui permet de stocker dans l’appareil plusieurs vues sur un même support.

En 1888 est commercialisé l’appareil Kodak qui embarque 100 vues sur papier négatif et doit être retourné au fabricant qui le renvoie chargé d’un rouleau vierge. Le slogan de la marque est éloquent : « Vous appuyez sur le bouton, nous faisons le reste ». Kodak est sans aucun doute l’inventeur de la photographie grand public.

Brève chronologie du procédé photographique

• Moyen-âge : découverte de l’action des rayons lumineux sur le chlorure d’argent.
• 1822 : premières lithographies au chlorure d’argent et positifs au bitume de Judée (sels d’argent).
• 1826-1827 : première photographie en noir et blanc par Nicéphore Niépce. Temps de pose : 8 heures.
• 1828 : amélioration du procédé grâce aux vapeurs d’iode qui permettent des demi-teintes de gris.
• 1833 : plaque de cuivre recouverte d’une couche d’argent polie – Iodure d’argent : raccourcissement du temps de pose à quelques minutes seulement (Louis Mandé Daguerre).
• 1840 : calotype, feuille de papier enduite de chlorure d’argent. Négatif ciré transparent. Tirage contact du positif (Henry Fox Talbot).
• 1884 : premier film en celluloïde (George Eastman, Kodak)
• 1903 : Autochrome des frères Lumière. Première photographie en couleur (trichromie avec fécule de pomme de terre). Image unique, projetée.
• 1946 : démocratisation de la photographie en couleurs (Kodak Ektachrome)
• 1948 : Polaroïd, procédé de développement instantané.
• Années 80 : début de l’ère numérique.

Pour en savoir davantage sur l’Histoire de la photographie contemporaine, et si vous voulez soutenir mon travail (lien affilié), je vous recommande le magnifique ouvrage ci-dessous :

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Sa vie

La vie de Vivian Maier est, en soi, une énigme. Son travail de photographe l’est tout autant. En effet, ses travaux n’ont été découverts qu’à sa mort.

Née en 1926 à Chicago, il semble qu’elle a toujours été photographe. Née d’un père Autrichien et d’une mère Française, elle réalise ses premiers clichés en 1951 à New-York jusqu’en 1956 où elle part à Chicago.

Dès son plus jeune âge elle effectue des voyages en France où une tante a laissé un héritage. Elle est accompagnée de sa mère et l’une de ses amies Jeanne Bertrand, une photographe déjà reconnue. On peut penser que cette dernière a initié Vivian Maier à la photographie et lui a transmis sa passion.

De retour aux États-Unis, Vivian devient gouvernante pour la famille Gensburg à Chicago. C’est la famille dans laquelle elle passera la plus longue période. Elle exercera ensuite ce métier toute sa vie.

En 1952, elle s’achète un Rolleiflex. Cet appareil moyen-format qui permet de viser par le haut est un excellent outil pour la photographe de rue. En effet, il lui permet de réaliser ses clichés sans être vue, à hauteur de poitrine.

Très secrète, Vivian Maier développe ses films dans sa salle de bain. Au fur et à mesure que les enfants grandissent, elle change de familles. Mais elle demandera toujours que l’on pose un verrou et interdira l’accès à quiconque à son espace privatif. Elle ne montre à personne ses travaux, pas même aux rares personnes dont elle est proche.

Pourtant, lors de ses sorties, elle réalise une quantité incroyable de prises de vues, délaissant même parfois les enfants qu’elle accompagne pour se consacrer à ses prises de vues.

Vivian Maier : une personnalité

Vivian Maier est très mystérieuse. Accumulatrice compulsive, elle stocke littéralement des tonnes de négatifs et de bobines de films. Elle collecte également des journaux par milliers, au point d’en remplir des pièces entières. Elle s’intéresse à la face sombre de l’être humain à travers l’actualité et les faits divers.

Les témoignages des enfants qu’elle a gardés sont contrastés mais révèlent tous une personnalité distante, excentrique et parfois violente.

De taille assez grande, rigide, d’une démarche volontaire quelque peu militaire, Vivian intimide son entourage, adultes comme enfants. Elle affiche en toutes circonstances une détermination sans faille.

Sans le sou, elle termine sa vie dans des conditions compliquées, en proie à des difficultés financières.

En 2007, peu avant sa mort, un jeune homme habitué des marchés aux puces nommé John Maloof, participe à une vente aux enchères et achète un carton de ses photographies. Intrigué par la qualité des clichés, il décide d’investiguer pour découvrir qui se cache derrière ce véritable travail de sociologue. Il finit par acheter l’ensemble de son œuvre stockée dans un garde-meuble toujours payé par les enfants Gensburg.

Son œuvre

Durant toute sa vie, Vivian Maier a sans cesse été accompagnée de son appareil photo. John Maloof a découvert un fonds de plus de 150 000 photographies. Il s’agit principalement de photographies de rue, portraits et architecture. La technique est sûre, les cadrages de grande qualité. Enfin, les choix de la photographe laissent transpirer une grande sensibilité humaine empreinte de malice et d’humour. Son œuvre, bien que très artistique, est sans nul doute un témoignage incontournable d’une époque, de la vie banale de gens ordinaires.

Vivian Maier : de l’anonymat à la reconnaissance ?

Lorsque John Maloof exhume le travail de Vivian Maier, il fait vite le constat de l’immensité du travail de tri et d’archivage à accomplir. Il sollicite les grands musées comme le Tate ou le MoMA, mais aucun d’eux ne veut s’intéresser à ce fonds pourtant incroyable. Il entreprend donc de publier lui-même sur les médias sociaux des clichés de la photographe. Très rapidement, les photographies remportent un énorme succès populaire. Il dévoile au grand public un travail conservé secret par son auteure pendant des décennies. Certains films, en particulier les derniers en couleur, ne sont même pas connus d’elle car non-développés.

Finalement, John Maloof décide d’organiser lui-même des expositions pour faire connaître le regard hors-pair de cette photographe. Si la qualité de sont travail est reconnue aujourd’hui par le grand public et les photographes professionnels, les musées n’ont toujours pas franchi le pas et continuent de bouder l’artiste…

Pour en savoir plus…

Je vous invite vivement à voir le film documentaire intitulé
À la recherche de Vivian Maier (Finding Vivian Maier).
John Maloof y retrace tout son travail d’enquête sur la vie et l’œuvre de la photographe.

Je vous recommande aussi le magnifique ouvrage suivant (en anglais) :
Vivian Maier, a photographer found.

Enfin, pour en savoir plus sur son enfance qui a certainement déterminé sa personnalité :
Vivian Maier révélée

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Letizia Battaglia

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Né en 1949, Patrick Chauvel est le petit-fils de l’ambassadeur Jean Chauvel, fils du journaliste Jean-François Chauvel et neveu du cinéaste et écrivain Pierre Schoendoerffer. Mais il est avant tout correspondant de guerre photographe, documentariste et écrivain.

Premiers reportages photographiques

Bercé par les récits de son père, il couvre en 1967 la Guerre des Six Jours opposant Israël à l’Égypte, la Jordanie et la Syrie. Les photographies ne sont pas bonnes, mais il a trouvé sa vocation.

Il est encore très jeune en 1967 lorsqu’il décide de partir au Vietnam pour couvrir le conflit. Pigiste pour AP et Reuters, il y fera plusieurs séjours jusqu’en 1974 et en rapportera de nombreux clichés. Aventurier et un peu tête brûlée, Patrick Chauvel perfectionne sa technique photographique et réalise de nombreux reportages en Irlande, au Mozambique, en Israël pour la guerre du Kippour, et au Cambodge.

Reporter de guerre

En 1975, il entre à l’agence Sygma et part couvrir la guerre au Liban. À Beyrouth, en 1978, il est fait prisonnier et interrogé avant d’être libéré sur intervention de l’Ambassade. Zaïre, Pakistan, Iran, Nicaragua, Afghanistan… : il n’existe pas de conflit du XX^ème siècle qui n’ait été couvert par Patrick Chauvel.

En 1984, il obtient le Prix Missouri pour une photographie prise en plein cœur du massacre de San Salvador. Se succèdent alors de nombreux reportages aux quatre coins du monde, jusqu’en 1994. Il est alors à Grozny en Tchétchénie lorsque Boris Eltsine déclenche une offensive des forces armées de la Fédération de Russie contre les séparatistes qui souhaitent gagner leur indépendance. Ses photographies décrivent l’extrême violence des combats, les combattants tchétchènes dont il partage le quotidien et les jeunes soldats russes inexpérimentés. L’un de ses reportages obtiendra le World Press et le prix d’Angers en 1996.

Patrick Chauvel documentariste

Ressentant le besoin d’exprimer sa perception des conflits, Patrick Chauvel quitte à cette époque l’agence Sygma et arrête le métier de photographe pour se consacrer au documentaire. En 1998, il réalise avec Antoine Novat un film intitulé « Rapporteurs de Guerre » dans lequel il interroge des confrères sur leur engagement dans ce métier.

Blessures par balles, obus de mortiers : ses cicatrices témoignent de son engagement dans le métier de photojournaliste. Aujourd’hui, il souhaite transmettre les valeurs de la profession, participe à de nombreux colloques, formations et veut susciter la réflexion sur les conflits contemporains.

L’Ukraine

Patrick Chauvel est arrivé sur place quelques jours avant le début de la guerre, dès l’intensification des mouvements de troupes russes. Alors qu’il cherchait un fixeur, il y a rencontré un confère ukrainien, Maks Levin, qui travaillait pour l’agence Reuters. Malheureusement, leur rencontre aura été de courte durée. En effet, ce dernier a été tué en foret de Kiev le 13 mars 2022. Lors de son deuxième voyage en Ukraine, Patrick Chauvel s’est consacré à enquêter sur la mort de son ami, avec le concours de Reporters Sans frontières. L’enquête a révélé que Maks Levin avait fait l’objet d’une exécution sommaire. Des traces d’ADN ont été recueillies dans l’espoir de trouver et faire condamner un jour l’auteur de ce crime.

Devoir de mémoire et éthique du reportage photographique

En mars 2014 a été créée l’Association de préfiguration de la Fondation Patrick Chauvel qui a pour vocation de réunir, archiver, valoriser et promouvoir l’ensemble de son œuvre de reporter de guerre, photographe, réalisateur et écrivain. L’association a aussi pour objectif de développer des pistes de réflexion en organisant des rencontres sur des thématiques telles que le devoir de mémoire, la paix, les révolutions, la résistance, la répression, la guerre… Elle se donne également pour mission de défendre et promouvoir l’éthique du reportage en zones de conflits et de contribuer à la formation de jeunes reporters.

Pour en savoir + :
Association de préfiguration de la Fondation Patrick Chauvel

Le Festival de photojournalisme Visa pour l’Image à Perpignan (Pyrénées Orientales, 66) accueillait en 2014 une exposition proposée par la fondation, intitulée Ceux du Nord. On pouvait y voir réunies les photographies de 4 reporters de guerre du Nord Vietnam. Une volonté de Patrick Chauvel de rencontrer ceux qui, comme lui, retraçaient la guerre du Vietnam, en face.

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Les débuts d’Hans Silvester

Né le 2 octobre 1938 à Lörrach en Allemagne, Hans Silvester se découvre très tôt une passion pour la photographie. Il réalise ses premiers clichés vers l’âge de 14 ans quand ses parents lui offrent son premier appareil. À partir de 1955, jeune diplômé de l’école de Fribourg, il effectue un voyage à travers l’Europe, notamment en Camargue, et s’intéresse rapidement au reportage. Son premier succès sera un reportage de 1960 accompagné de textes de Jean Giono. Tombé amoureux de la région, le photographe allemand s’installe en Provence en 1962.

La découverte du monde

1964 marque le début d’un long périple à travers le monde avec un reportage en Amérique du Sud pour une organisation caritative. Il parcourt les États Unis où il s’établit pendant 6 mois, puis l’Amérique Centrale, le Japon, l’Égypte, le Portugal… Il rejoint l’agence Rapho en 1965. En 1977, il inaugure la revue Géo en publiant un reportage sur un village du pays basque. Hans Silvester s’intéresse à tout : de la pétanque aux oiseaux en passant par les chevaux, évidemment, pour lesquels il sera primé à la Foire du Livre de Leipzig.

Hans Silvester : l’engagement écologiste

Peu à peu, dans les années 80, il s’attache à défendre l’environnement et publie des reportages consacrés parcs naturels d’Europe, dénonce les ravages de la déforestation en Amazonie, réalise un long reportage sur la rivière Calavon sous le titre La rivière assassinée et enfin s’intéresse à l’exploitation de la forêt en Amérique du Nord. Entre deux reportages à l’autre bout du monde, Hans Silvester photographie toujours les animaux : chevaux, chats et pigeons… Après avoir publié un reportage sur les cerfs-volants du monde entier, il termine en 2006 un travail saisissant de plusieurs années sur les peuples de la Vallée de l’Omo, en Éthiopie.

Bibliographie :

• Portraits d’animaux. Chevaux de Camargue, éditions de La Martinière, 2011 (ISBN 9782732443294)
• Tsiganes et gitans, éditions de La Martinière, 2011 (ISBN 9782732445120)
• Fenêtre sur l’Afrique, éditions de La Martinière, 2010 (ISBN 9782732441825)
• Un monde de chats, éditions de La Martinière, 2010 (ISBN 9782732440873)
• Les habits de la nature, éditions de La Martinière, 2007 (ISBN 9782732436685)
• C’était ailleurs, éditions de La Martinière, 2006 (ISBN 9782732433363)
• Un amour de chat, éditions de La Martinière, 2006 (ISBN 9782732434032)
• Arbres : Histoires de paysages en Provence, Aubanel, 2004 (ISBN 9782700603446)
• Les écrits du vent, éditions de La Martinière, 2003 (ISBN 9782732429809)
• Provence terre de lavande, éditions de La Martinière, 2000 (ISBN 9782732420974) et Aubanel, 2004 (ISBN 9782700603330)
• Les chats, éditions de La Martinière, 2000 (ISBN 9782732426372)

Découvrez également la biographie de Jeanloup Sieff

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La mafia de Palerme

Née à Palerme en 1935, Letizia Battaglia s’est mariée à l’âge de 16 ans. Elle devient photojournaliste à partir de 1971 alors qu’elle élève ses 3 filles. Très rapidement, elle pense qu’il lui sera plus facile de publier ses articles s’ils sont accompagnés de photographies. En 1974, après une courte période à Milan où elle rencontre son compagnon Franco Zecchin, elle regagne Palerme où elle travaille pour le journal L’Ora. Se retrouvant parfois à photographier 4 ou 5 meurtres en une journée, Letizia Battaglia devient le témoin des règlements de compte de la Mafia aux yeux du monde entier.

Letizia Battaglia : l’engagement politique

La journaliste s’engage pendant quelques années en politique et siège avec les Verts de 1985 à 1997 au Conseil Municipal de Palerme. Une période durant laquelle elle laisse de côté la photographie mais œuvre pour la réhabilitation du centre historique de la ville.

Un témoignage précieux

15 ans après que ses photos eurent été prises, nombre d’entre elles servirent de véritables preuves des compromissions entre certains politiciens et la Mafia. Ce fut le cas en 1993 de Giulio Andreotti, 7 fois Premier ministre italien, qui niait ses contacts avec Nino Salvo, un important mafioso, et qui fut confondu grâce à deux photographies datant de 1979.

Letizia Battaglia a reçu d’innombrables récompenses photographiques internationales et demeure aujourd’hui le principal témoin des exactions de la Mafia.

La photographe sicilienne est décédée le 13 avril 2022 à l’âge de 87 ans. Elle laisse derrière elle plus de 600 000 clichés. Après avoir reçu d’innombrables menaces de mort, elle avait fini par cesser de photographier les crimes en 1992, après la mort de son ami le juge Falcone.

Si le sujet de la mafia vous intéresse, je vous invite à découvrir le magnifique travail de Franco Zecchin.
Découvrez également le travail de photojournalisme de Patrick Chauvel, reporter de guerre.

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Les débuts de Jeanloup Sieff

Né à Paris de parents d’origine polonaise, Jeanloup Sieff fait partie des photographes qui ont marqué le XX^ème siècle, et plus spécifiquement le milieu de la mode. Il décroche sa première parution à l’âge de 17 ans dans Photo-Revue et fait ses débuts en tant que reporter indépendant en 1954. Après avoir été engagé par le magazine Elle, il intègre l’agence Magnum pour une très courte période. L’année suivante, en 1959, Jeanloup Sieff reçoit le prix Nicéphore Niépce. Pendant de nombreuses années, il collabore aux magazines les plus prestigieux (Vogue, Harper’s Bazaar, Jardin des Modes, Femme, Réponses Photo…) mais continue en parallèle ses travaux personnels.

Le photographe de la sensualité

L’œuvre de Sieff restera marquée par la sensualité dégagée au sein de ses travaux de commande pour les revues de mode, son attachement à restituer les moindres petits détails d’une image, le grain de la peau ou une pilosité discrète.

Le noir et blanc

Mais ce qui frappe par-dessus tout quand on s’arrête sur une photographie de Jeanloup Sieff est le contraste saisissant, des noirs profonds et un grain particuliers qui font que l’on reconnaît ses clichés entre mille. Une particularité due à la qualité des tirages de ses épreuves par Jean-Yves Brégand, où le masquage contribue à renforcer la puissance évocatrice de l’image. Jeanloup Sieff est typiquement un photographe du noir et blanc. Son ouvrage le plus remarquable est sans nul doute cette imposante monographie brochée qui retranscrit grâce à de somptueuses reproductions l’œuvre complète de l’artiste : Demain le temps sera plus vieux, 40 années de photographie.

Pour (re)découvrir Jeanloup Sieff :
www.jeanloupsieff.com
Demain le temps sera plus vieux, 40 années de photographie – Evergreen (1990) – ISBN 285949104X

L’article Biographie – Jeanloup Sieff (1933-2000) est apparu en premier sur Infotographiste.

Photographe hongrois, André Friedmann devient Robert Capa à Paris en 1936 alors qu’il s’exile, chassé de Hongrie pour ses activités politiques. Contraint de quitter Berlin par le nazisme, il s’engage dans les forces républicaines espagnoles. Il réalise la photographie connue de tous Mort d’un soldat républicain. L’ensemble de sa -malheureusement trop courte- carrière sera consacré au reportage de guerre. Il couvre en particulier le front japonais en Chine en 1938, puis le débarquement de Normandie en 1944.

Correspondant de guerre, fondateur de l’agence Magnum

Le fondateur de la désormais célèbre agence Magnum (1947) se plaisait à rappeler qu’il était « correspondant de guerre », indiquant ainsi qu’il était impliqué lui-même dans les conflits qu’il photographiait, avec un engagement propre. Robert Capa défend une photographie brute, sans artifices ni mise en scène, au coeur de l’action : « Si ta photo n’est pas bonne, c’est que tu n’es pas assez près. »

La polémique

Depuis de nombreuses années, Robert Capa fait l’objet d’une polémique. L’auteur des photos du Débarquement, emblème du photojournalisme, aurait menti. Ainsi, il prétendait qu’une centaine de clichés avaient été pris lors du D-Day, et qu’une erreur d’un laborantin aurait gâché 90 autres photos. Or, plusieurs études et témoignages laisseraient penser que ce dernier n’est resté qu’une demi-heure sur le front et n’aurait pas eu le courage d’en réaliser davantage. Le mythe est quelque peu écorné…

Robert Capa, inspirateur

Père du photojournalisme, Robert Capa meurt de sa passion, tué par une mine en Indochine en 1954, non sans avoir inspiré un certain nombre de romanciers tels Ernest Hemingway (Pour qui sonne le glas), ou Dan Franck et Jean Vautrin (Les aventures de Boro, reporter photographe)…

Polémique ou pas, Robert Capa n’en reste pas moins un formidable reporter de guerre qui incline à réfléchir au photojournalisme dans son ensemble, ses symboles et ses intentions. Et qui a donné lieu à d’innombrables vocations depuis des décennies…

Pour en savoir plus sur Robert Capa et le photojournalisme :
Robert Capa, Centre national de la photographie – N°36, Coll. « Photo poche », Paris, 1988
Wikipedia – Robert Capa
www.magnumphotos.com – L’Agence Magnum
Visa pour l’Image – Festival du photojournalisme (Perpignan)

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Les débuts d’Edward Weston

Né le 24 mars 1886 aux États Unis dans l’Illinois, Edward Weston fait partie, à l’instar d’Ansel Adams, des pionniers de la photographie.
Il reçoit son premier appareil à l’âge de 16 ans et réussit immédiatement à conquérir le public en exposant à Chicago l’année suivante. À partir de 1906, il s’installe en Californie où il ouvre un studio et tente de théoriser sa photographie peu conventionnelle où se mêlent portrait et abstraction dans une approche pictorialiste de la photographie.

Précision et réalisme

C’est toutefois à partir de 1922 qu’Edward Weston abandonne le flou artistique et l’objectif anachromatique pour produire des clichés plus nets et plus détaillés grâce à une lentille convergente. Sa rencontre avec Alfred Stieglitz et Paul Strand notamment sera déterminante dans l’évolution de son art vers plus de précision et de réalisme. Portrait, nu et nature morte sont alors ses sujets de prédilection, à la fois réalistes et esthétiques. Suite à sa rupture amoureuse avec sa maîtresse et associée Tina Modotti, il s’installe sur la côte pacifique et entreprend une série de photographies de la côte rocheuse, de coquillages et de légumes, dont le très fameux « Poivron n°30 ».

Le groupe f/64

Après avoir exposé à New York, Edward Weston fait la rencontre d’Ansel Adams et Willard Van Dyke avec lesquels il fonde le célèbre Groupe f/64. Pour s’opposer au pictorialisme du moment, le collectif se fixe comme objectif de restituer -en fermant au maximum le diaphragme de la chambre photographique- l’intégralité des éléments contenus dans le cadrage de la photographie, avec un maximum de réalisme et de netteté. C’est ce que l’on nommera la « photographie pure », un art qui doit s’inventer en l’affranchissant des règles propres aux autres arts qui lui sont antérieurs.

L’héritage d’Edward Weston

L’œuvre d’Edward Weston est essentiellement en noir et blanc comme notamment ses clichés de la Vallée de la Mort ou de la Réserve de Point Lobos, son dernier reportage.
Edward Weston meurt le 1er janvier 1958 à Wildcat Hill en Californie à l’âge de 71 ans, après avoir confié à son fils le soin d’effectuer quelque 800 tirages essentiels à ses yeux. Des milliers de ses négatifs et tirages sont aujourd’hui conservés au Center for Creative Photography de l’Université d’Arizona à Tucson.

Si vous aimez le noir & blanc, ne manquez pas de lire la biographie d’Ansel Adams

L’article Biographie – Edward Weston (1886-1958) est apparu en premier sur Infotographiste.

Les débuts d’Annie Leibovitz

Photographe américaine, née à Waterbury (Etats Unis), Annie Leibovitz est surtout connue pour ses portraits de célébrités. Plus particulièrement pour ce reportage de 1975 où elle suivit -contre l’avis de son rédacteur en chef de la revue éponyme- la tournée des Rolling Stones, et qui lui valut d’ailleurs de subir une cure de désintoxication dans la foulée.

Très vite rendue célèbre par les magazines prestigieux auxquels elle collabore (Rolling Stone, Vogue, Vanity Fair…), Annie Leibovitz pourrait être qualifiée de photographe dramaturge, tant la mise en scène est présente dans ses œuvres.

Les compositions, bien que classiques, font appel à des éclairages complexes où le contraste n’est pas sans rappeler le clair-obscur propre aux maîtres de la Renaissance.

L’apologie du corps et de sa sensualité, chères aux pays de l’Est du début du XXème siècle, mais également le glamour sont omniprésents dans nombre de ses photographies de studio pour lesquelles Annie Leibovitz fait appel à de nombreux collaborateurs (accessoiristes, éclairagistes, stylistes…).

Le photojournalisme

Mais la photographe est aussi connue pour son travail de reporter et de photojournaliste, comme en témoignent ses images rapportées en 1990 de Sarajevo. Compagne de Susan Sontag décédée en 2004, elle met également en scène sa propre vie intime, y compris sa famille. Deux facettes qui, selon elles, sont indissociables…

Annie Leibovitz : Portraits 2005-2016

Ce magnifique ouvrage réunit les photographies des personnalités emblématiques de notre époque artistes, interprètes, auteurs, musiciens, réalisateurs, comédiens, scientifiques, entrepreneurs, athlètes, chefs d’entreprise, dirigeants politiques.
Annie Leibovitz porte un regard à la fois subtile et troublant sur ses sujets et fait preuve d’une étonnante capacité à révéler la dimension intime de ces personnalités, même les plus célèbres.
Ce livre très grand format doté d’une jaquette transparente en acétate comprend 150 portraits en couleur et en noir et blanc, dont certains sont publiés pour la toute première fois.

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La jeunesse d’André Kertész

De son vrai nom Kertész Andor, André Kertész est originaire d’une famille bourgeoise de Budapest. Il est encore jeune quand son père décède, et il est confié à un tuteur, employé à la Bourse de Budapest. Il y travaillera lui-même pendant deux années.
Le baccalauréat en poche, Kertész achète son premier appareil photo moyen-format en 1912. Ce dernier est pour lui comme un bloc-notes. Il photographie alors tout ce qui l’entoure, met en exergue les détails de son quotidien. Il est enrôlé dans l’armée austro-hongroise et réalisera pour son compte personnel des portraits de soldats dans les tranchées. Quelques uns seulement seront publiées sous forme de cartes postales.

Le départ pour la France

Avec la fin de l’Empire austro-hongrois et le décès de son père, Kertész décide, avec le soutien de sa famille, de quitter la misère des campagnes hongroises pour tenter sa chance en France. Il débarque ainsi à Paris en 1923 et se fait appeler André, équivalent français de Andor. Il découvre alors les milieux culturels parisiens, et rencontre Brassaï, Colette ou encore Mondrian.
Ses photographies, essentiellement des portraits et des scènes de rues, témoignent de la vie parisienne, dans les petites ruelles et les endroits délaissés par les touristes et les Parisiens eux-mêmes. Kertész devient en quelque sorte le photographe de l’invisible, qu’il vend sous forme de petites cartes postales pour gagner sa vie.
Proche des milieux intellectuels, en particulier des surréalistes et du mouvement Dada, il préfère néanmoins rester indépendant. Mais cette proximité fera de lui rapidement un maître du portrait d’artiste.

La presse et le reportage

En 1928, Kertész est repéré par Lucien Vogel, un homme de presse qui lance le magazine VU, dont l’intention est de relater l’actualité à travers la photographie. Cette époque coïncide avec d’une part l’évolution technologique photographique qui crée des boîtiers de plus en plus compacts (Leica), d’autre part une conception de la photographie qui s’éloigne du pictorialisme et des diktats de la peinture. La photographie, en tant que 8ème art, s’ouvre aux médias, à la presse, aux magazines et à l’illustration.
Mais bien que publiés dans des magazines, Kertész et ses contemporains s’affirment comme artistes et veulent conserver leur vision indépendante, ne pas être considérés comme de simples exécutants au service d’une rédaction. Ils expérimentent sans cesse de nouvelles techniques, mettent en œuvre ainsi de nouvelles idées.

Les États Unis

Alors qu’il est envoyé à New York en 1936 par l’agence Keystone, Kertész y rencontre sa femme Elizabeth Sali. Devant la montée du nazisme et de l’antisémitisme, ils décident de rester aux Etats Unis. Mais cette période se traduit par une immense frustration : il lui est impossible de voir ses reportages publiés. On lui refuse notamment plus de 200 photos sur le transport maritime, estimant que ces vues pourraient revêtir un caractère stratégique en temps de guerre. Ses nus sont recadrés pour cacher les parties qui pourraient choquer le puritanisme américain. De manière générale, son travail et son approche photographique sont incompris. Le photographe vit de son travail de studio, de commandes qui ne le satisfont pas, et finit par séparer totalement son travail professionnel de sa volonté personnelle artistique. A partir de 1963, André Kertész décide de ne plus photographier que pour lui, pour le plaisir.

L’héritage Kertész

Finalement, une exposition lui est consacrée à la Biennale internationale de photographie de Venise, puis deux autres en France, à Arles et à la Bibliothèque nationale. C’est alors qu’il retrouve de nombreux négatifs de sa vie parisienne qui alimenteront une grande exposition personnelle organisée en 1964 par John Szarkowski, Conservateur au département de photographie du MoMA en 1964. C’est à la suite de cet événement que la photographie d’André Kertész sera reconnue à sa juste valeur, après la publication d’un texte intitulé The photographer’s Eye.
Une fondation André et Elizabeth Kertész est créée en 1977 à New York, mais c’est à l’État français que le photographe choisit de léguer, en 1984, ses négatifs, ses archives et sa correspondance.

André Kertész, comme Jacques-Henri Lartigue, s’est toujours considéré comme un amateur, souhaitant jusqu’à la fin conserver ce regard neuf sur ce qui l’entoure.

Dès ses premiers travaux, alors qu’il n’est qu’un jeune photographe, il cherche une approche nouvelle de son art, proposer une vision de la réalité objective. Mais une lecture de l’image, au sens littéral du terme. Une rigueur du cadrage qui se traduit souvent par l’usage de la plongée, outil de description qui déplace les points de fuite et pose le photographe en spectateur détaché.
Malgré tout, sa série Distorsions est le témoin de la perception artistique qu’a André Kertész de la photographie, d’une liberté totale et créatrice.

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