Les fichiers, en photographie, sont des images bitmap (ou matricielles en français). Lorsqu’on veut les manipuler, on est vite amené(e) à se poser la question du choix du fichier à enregistrer. Il existe en effet une multitude de réglages qui peuvent perdre facilement un néophyte. Ne vous inquiétez pas, ce n’est pas si compliqué.

Si toutefois vous voulez aller à l’essentiel sans tout comprendre, vous pouvez passer directement au résumé en bas de page.

Fichier de travail ou fichier final ?

Avant d’utiliser un fichier pour une publication quelle qu’elle soit, il vous faut travailler dessus. Il s’agit du fichier d’édition. Ce fichier de travail doit vous permettre ultérieurement d’opérer d’éventuelles corrections. En revanche, le fichier final est celui que vous utiliserez pour un document ou une publication sur le web : site internet, médias sociaux…

Fichiers de travail

Deux principaux types de fichiers sont destinés au travail sur l’image : ceux issus directement de l’appareil photo ; ceux destinés au photomontage et la publication.

Les fichiers issus de l’appareil photo

• Raw : il s’agit du fichier natif de votre appareil photo (certains smartphones le proposent). C’est un fichier dit « brut de capteur » qui restitue l’image perçue par l’appareil sans aucune modification (ou en tous cas mineures). C’est celui que l’on doit privilégier pour conserver la meilleure latitude de correction.
  C’est un format propre à chaque marque de boîtiers de photographie. Il est dédié au développement photographique. Ce type de fichier se traite dans des logiciels comme Affinity Photo, Adobe Lightroom, Camera Raw, Capture One, Luminar, DXO Photolab… Il n’est pas utilisable sans ces logiciels. Il faudra donc effectuer un export vers un fichier plus universel. Bien que les logiciels précédemment cités proposent de plus en plus d’outils, le fichier raw n’est pas destiné au photomontage mais principalement au développement.
• Dng : le .dng a été créé par Adobe pour tenter de fédérer tous les fichiers Raw au sein d’un même format universel. Malheureusement, pour des raisons commerciales, les grands fabricants d’appareils ne souhaitent pas forcément adopter ce format. En revanche, les logiciels « derawtiseurs » cités ci-dessus permettent de sauvegarder vos photographies en .dng. Vous pourrez ainsi les rééditer ultérieurement avec la plus grande liberté.

Les fichiers pour le photomontage

• Tiff (ou tif) : c’est LE fichier à utiliser pour travailler vos photomontages :
  • Format universel lisible par toutes les applications et tous les supports (Windows, Linux, Mac, Android…), c’est le fichier de travail et d’archivage idéal
  • Conserve la transparence
  • Conserve tous vos calques
  • Conserve la qualité maximale de votre photo
  • Permet une légère compression (LZW) sans perte de qualité
  • En contrepartie, ce type de fichier est lourd et ne convient pas pour de la publication
• Psd, afphoto : fichiers natifs générés par Photoshop ou Affinity. Ils présentent les mêmes caractéristiques que le Tiff mais avec un inconvénient majeur : si vous ne disposez pas de Adobe Photoshop ou Affinity Photo, vous ne pourrez pas le lire. C’est le cas de tous les fichiers dits natifs, liés directement à une application.
  Affinity Photo, par exemple, est toutefois capable d’ouvrir et éditer les fichiers Photoshop (.psd).

Fichiers finaux (publication)

Après avoir traité votre fichier initial, le fichier final est celui qui est destiné à être publié, soit sur le web soit dans un document à imprimer. C’est un fichier « aplati » qui ne conserve pas les calques, masques, masques de fusion etc.

Web : médias sociaux et sites internet

• Jpeg : c’est le type de fichier le plus connu et aussi le plus ancien actuellement utilisé pour le web.
  • Format universel lisible sur tous les systèmes d’exploitation (Windows, Linux, Mac, Android…) et sur tous les supports (Mac, PC, smartphones, tablettes)
  • Ne gère pas la transparence
  • Permet une compression paramétrable en fonction du poids de fichier souhaité. Attention, la compression altère la qualité de la photo.
• Png : plus récent, le png présente l’avantage de gérer la transparence
  • Format universel lisible par toutes les applications et tous les supports (Windows, Linux, Mac, Android…)
  • Conserve la transparence
  • Permet une compression, y compris sans perte de qualité (lossless). Le Png-8 ne comprend que 256 couleurs contre 16 millions pour le Png-24
• WebP : créé par Google en 2011, ce nouveau format est un hybride entre un Png et un Gif. Destiné au web, il a pour ambition de réduire davantage le poids des fichiers.
  • Gère la transparence (couche Alpha).
  • Fichier Bitmap encore plus léger.
  • Possibilité de compression sans perte de qualité avec Webp Lossless.
  • Possibilité d’animations à l’instar du Gif.
  • Format universel lisible par toutes les applications et tous les supports (Windows, Linux, Mac, Android…)
  • Conserve la transparence
  • Permet une compression paramétrable des Jpeg en fonction du poids de fichier souhaité
• Gif : ce type de fichier est de moins en moins utilisé.
  • Permet les animations (logos animés, par exemple).
  • Poids réduit
  • Palette de couleurs réduite (256 couleurs maximum), donc qualité médiocre

Impression

• Pdf : il s’agit d’un fichier destiné principalement à l’impression.  Il encapsule en un seul fichier les éléments bitmap (en pixels) comme les photos et ceux en vectoriel (dessin au trait, pictos), notamment les polices de caractères.
• Tiff : pour une photo seule, c’est le type de fichier à privilégier pour éviter tout risque de compression ou de perte de qualité. Possibilité de compresser en LZW.

Quelles couleurs : Adobe RGB, sRGB ou CMJN ?

Selon que vous travaillez pour de l’impression ou du web, vous n’utiliserez pas le même espace colorimétrique. Ainsi, vous n’aurez pas à votre disposition le même nombre de couleurs.

Photographie et web : RVB

Par défaut, on enregistre les images en RVB (Rouge+Vert+Bleu) – En anglais RGB (Red+Green+Blue). Ce sont, en effet, les 3 couleurs principales du spectre lumineux qui permettent de copier les couleurs par synthèse additive (en additionnant les couleurs). Chacune de ces teintes comprend 255 niveaux. En mixant ces différents niveaux on recrée donc un peu plus de 16 millions de couleurs (255³)

1. Adobe RGB : les photographes exigeants privilégient l’utilisation de l’espace colorimétrique Adobe RGB car il comprend davantage de couleurs. Il restituera donc plus fidèlement les nuances d’une photo. Le fichier contiendra davantage d’informations colorimétriques.
   Ce profil présente toutefois deux défauts :
   – il n’est pas adapté aux affichages sur écrans pour le grand public (ordinateurs, smartphones, tablettes, TV…). Les couleurs ne s’afficheront donc pas correctement car elles seront mal interprétées.
   – ce type de profil ne présente d’intérêt que si vous disposez d’un écran dit « wide-gamut », c’est à dire qui affiche un nombre de couleurs étendu.
   Le photographe qui publie sur internet se doit donc de convertir ses images en sRGB.
2. sRGB : le profil colorimétrique par défaut pour les écrans est donc le sRGB IEC61966-2.1. Cet espace présente une plus faible quantité de couleurs, mais bénéficie d’une plus grande universalité.

Impression : CMJN

En impression, on ne peut restituer autant de couleurs. En effet, les couleurs sont recréées à l’aide d’encres et non plus directement par diffusion de lumière. On parle de synthèse soustractive. La couleur perçue est celle reflétée par le papier ou tout autre support imprimé.
3 couleurs primaires (Cyan, magenta et jaune) seront imprimées dans cet ordre. Chaque teinte est indiquée individuellement en pourcentage. Les encres étant semi-transparentes, leur mélange à 100% génère un noir pas totalement couvrant. C’est la raison pour laquelle on adjoint à ces 3 couleurs le noir qui permet de renforcer les tons foncés.
On obtient donc Cyan + Magenta + Jaune + Noir = CMJN. Ce procédé est nommé quadrichromie (du Grec « 4 couleurs »).

Le profil utilisé par défaut en Europe se nomme Fogra39.

Quelle résolution : 72 ou 300 dpi ?

Terminologie

En préambule, il convient de ne pas confondre définition et résolution de l’image. En effet, suite à une mauvaise transcription de l’anglais, l’on confond trop souvent ces deux notions essentielles.

La définition de l’image est tout simplement la quantité totale de pixels la composant. On l’obtient simplement en multipliant la largeur par la hauteur. La définition d’une image de 1920×1080 px est de 2 073 600 pixels, soit environ 2 Mégapixels (Mpx).

La résolution représente la quantité de pixels pour une mesure donnée. On l’exprime en dpi (dots per inch) ou ppp (points par pouce en français). Pour simplifier, on peut la désigner comme une densité de pixels (pixel density en anglais).
Lorsque l’on génère des images destinées au web, on adopte la résolution 72 dpi. Celles-ci sont donc constituées de 72 points par pouce (un pouce = 2,54 centimètres), soit 72 pixels pour une longueur de 2,54 cm.
Lorsque l’on prépare des images pour l’impression, on adopte communément une résolution de 300 dpi (soit 300 pixels pour 2,54 cm).

Une image de 1080×1080 pixels pour Instagram mesurera 381×381 mm. Si l’on passe cette image en 300 dpi pour de l’impression, elle ne mesurera plus que 91×91 mm. Pour une définition donnée, une image destinée à l’impression verra ses dimensions réduites d’environ 4 fois car l’imprimerie exige une plus grande qualité que l’affichage écran.

EN RÉSUMÉ…

Fichiers de travail (édition) :

• raw, Dng (développement)
• tiff (photomontage)
• psd, afphoto ou tout autre fichier natif (photomontage)

Fichiers finaux (publication)

• Publication web – RVB / 72 dpi
  • Jpeg (compression, opaque)
  • Png (compression, transparence)
  • WebP (compression, transparence)
  • Gif (animation)

• Impression – CMJN / 300 dpi
  • Pdf (images bitmap + dessin vectoriel + polices de caractères)
  • Tiff (calques, transparence, profils ICC…)

Vous devrez donc sauvegarder à la fois vos fichiers de travail et vos fichiers d’export, le cas échéant dans des dossiers spécifiques. Si vous avez créé différentes versions d’un même travail, pensez à sauvegarder les différents fichiers qui pourront être modifiés ultérieurement.

Suivez ce lien pour en apprendre davantage sur la façon de préparer vos fichiers pour un tirage ou une impression.

Si vous souhaitez faire imprimer vos photographies en grand format, n’hésitez pas à prendre contact, je peux vous aider à préparer vos fichiers.

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L’article Tutoriel Panorama Microsoft ICE (Image Composite Editor) – Gratuit est apparu en premier sur Infotographiste.

Une (r)évolution technologique considérable

Réaliser un panorama est presque devenu un jeu d’enfant depuis l’avènement du numérique. D’une part les appareils proposent de plus en plus fréquemment un mode dédié qui affiche un aperçu dans le viseur ou à l’écran, qui permet de raccorder les vues de manière intuitive. D’autre part, les logiciels se sont considérablement perfectionnés et permettent, dans le cas contraire, de pallier en post-traitement l’absence d’aide sur l’appareil.

Mes conseils à la prise de vues en panorama

Cadrer verticalement quand c’est possible

Aussi étrange que cela puisse paraître, pour obtenir la meilleure image horizontale, je vous recommande de cadrer vos images de base verticalement. Pourquoi ? Pour deux raisons essentielles :

• Même avec un grand-angulaire, parvenir à intégrer dans une seule image l’immensité d’un paysage, du premier plan à l’horizon, n’est pas toujours chose facile.
• Lorsque l’on assemble les différentes vues -qui peuvent être nombreuses- il y a toujours une perte d’image, principalement en haut et en bas de l’image finale (Cf photo ci-dessus). En cadrant verticalement, on s’assure davantage de « matière » à ces deux extrémités.

On multipliera le nombre de vues pour compenser la moindre largeur de chacune. Au final, le rendu sera similaire.

Conserver une hauteur constante

On prendra soin de bien cadrer toutes les images à la même hauteur exactement, afin de faciliter l’assemblage des images et minimiser la perte de matière en haut et en bas de l’image.
Pour ce faire, on dispose de deux outils sur le boîtier :

• Le quadrillage proposé sur le viseur électronique ou l’écran de l’appareil
• Le niveau à bulle qui est d’une précision redoutable

On s’aidera d’un élément rectiligne du paysage (horizon, étendue d’eau, fil électrique…) comme repère pour conserver la même hauteur de vue durant toute la séquence de prise de vues.

Le trépied : pas indispensable mais bien utile

Afin de conserver une constance dans la prise de vue, tout en assurant la parfaite stabilité de l’appareil qui garantira une netteté parfaite, le trépied est un atout supplémentaire.
Certes les logiciels corrigent très bien l’alignement des photos en post-traitement, mais une prise de vues parfaite est l’assurance d’un rendu final optimal. C’est d’autant plus vrai si vous choisissez d’opérer un panorama HDR car le logiciel devra calculer l’alignement du nombre de vues multiplié par le nombre de leurs déclinaisons (3 par photo).

Se décaler d’un pas

Le champ de vision est circulaire. Par conséquent, au fur et à mesure que vous allez pivoter sur vous-même, vous créerez un décalage entre les vues qui compliquera le travail du logiciel par la suite qui doit les assembler à plat.
Je vous conseille donc de vous décaler d’un pas entre chaque prise de vue. Si vous pivotez de la gauche vers la droite, décalez-vous d’un pas vers la gauche entre chaque déclenchement.

Assembler un panorama avec Lightroom CC

Il existe une multitude de logiciels (gratuits ou payants) pour assembler vos panoramas. Vous le savez, j’utilise beaucoup Lightroom CC. Je vous ai donc réalisé un tuto vidéo sur le panorama que vous pouvez visionner ci-dessous. J’ai réalisé une fusion de panorama HDR. L’opération -fusion HDR et assemblage panorama- se réalise en une seule fois quand les prises de vues ont été réalisées correctement. C’est pourquoi vous retrouverez dans ce tutoriel vidéo mes conseils de prises de vues :

Assembler un panorama avec Microsoft ICE (Image Composite Editor)

Mais tout le monde n’a pas Lightroom, qui est payant. Parmi les applications gratuites les plus populaires, Microsoft Image Composite Editor (ICE) me paraît le plus facile à mettre en œuvre.
Je vous propose de visionner le tuto vidéo ci-dessous :

Enfin, si vous souhaitez tester un autre logiciel de panorama gratuit, très puissant également, je vous invite à découvrir Hugin Panorama Photo Stitcher.

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Définition du HDR

HDR signifie « High Dynamic Range« , soit en bon Français « Large gamme dynamique ». Autrement dit, une image HDR est tout simplement une image qui restitue une plus grande quantité de valeurs de densités et de couleurs.

La plupart des images sont composées de 3 couleurs Rouge, Vert et Bleu (RVB), codées sur 256 valeurs (entre 0 et 255), soit 24 bits par pixel (3 × 8 bits). L’écart de luminosité entre le pixel le plus lumineux et le plus sombre est donc de 255 valeurs seulement. Or il est courant que le contraste (dynamique entre les hautes lumières et les ombres d’une scène) soit bien plus étendu.

En photographie, composer une image HDR va donc consister à prendre plusieurs vues en décalant l’exposition pour les fusionner ultérieurement. On obtiendra ainsi une plus grande latitude de restitution des densités et des couleurs.

Dans le cas de la photo ci-dessus, au-delà du fait qu’il s’agisse d’un panorama, le HDR a permis de conserver du détail à la fois dans la partie droite à l’ombre et dans la partie gauche beaucoup plus ensoleillée.

Type de fichier

La fusion HDR est possible avec des Jpeg. Mais afin de conserver la plus grande latitude de correction et le plus grand nombre d’informations, il est préférable d’enregistrer vos prises de vues en Raw. D’autant que certains logiciels (notamment certaines versions de Photoshop) ne permettent la fusion HDR qu’avec ce type de fichiers.

La prise de vues destinée au HDR

Pour produire une photographie HDR, nous aurons besoin de plusieurs images, en général trois suffisent. Il ne s’agit ni plus ni moins que d’un bracketing. On obtiendra donc une première image restituant correctement les tons moyens ; une deuxième (sous-exposée) qui produira des hautes lumières riches en information ; enfin, une troisième (sur-exposée) restituera des ombres suffisamment détaillées.

Dans le cas d’une prise de vues à main levée, il est préférable de shooter en rafale rapide en bougeant le moins possible pour que les 3 images soient les plus semblables. En effet, on verra par la suite que la fusion requiert de superposer parfaitement les vues entre elles.

Si possible, l’utilisation d’un trépied facilite grandement la similitude des images. Le logiciel de fusion HDR aura moins de difficultés à fusionner 3 images parfaitement alignées.

Un seul procédé pour des choix esthétiques différents

Le procédé est simple en théorie. Il suffit d’importer les fichiers Raw dans le logiciel et de lui demander de les fusionner pour conserver un maximum d’informations sur toute l’étendue dynamique de l’image. On n’aura ainsi aucune ombre « enterrée », ni aucune haute lumière « brûlée ». Mais dans la pratique, selon le logiciel utilisé, la mise en œuvre d’une fusion HDR pourra demander un peu de manipulation et de finesse pour obtenir le résultat souhaité.
Un photographe peut vouloir une image équilibrée. Un autre recherchera peut-être un rendu accentué, plus graphique (voire de mauvais goût) mais également moins fidèle à la réalité.

Les logiciels HDR

Depuis quelque temps, Lightroom CC® intègre une fonction HDR. Voici un très court tuto vidéo :

Mieux, il propose même une fonction de fusion Panorama et HDR ! Je vous invite à visionner mon tuto vidéo sur la fusion de panorama HDR. Il s’agit de la solution la plus simple pour fusionner vos photographies, mais le coût est élevé.
Photoshop CC® permet le HDR nativement, bien sûr. Mais son coût pourra également rebuter nombre d’entre vous. Fort heureusement, sa version grand public Photoshop Elements, beaucoup moins onéreuse, est désormais pourvue de cette fonction intitulée Exposition Photomerge.

Enfin, il existe un logiciel qui fait référence, autant sur Mac que PC : Photomatix Essentials. Il est à la fois complet et facile d’accès. Il n’est pas gratuit mais moins onéreux. Je vous invite à découvrir mon tutoriel vidéo sur Photomatix Essentials.

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Raw

Ce type de fichier, comme l’indique son nom en anglais, est dit « brut de capteur », c’est à dire qu’il n’applique théoriquement aucune modification sur l’image enregistrée par le capteur de l’appareil. On ne le trouve que sur des boîtiers relativement évolués destinés aux photographes experts.

• Avantages :
  – Pas de compression ni d’altération de l’image originelle
  – Plus grande latitude de correction, en particulier pour la réduction du bruit ou le rééquilibrage du contraste entre basses et hautes lumières. Des logiciels dédiés à la photographie tels que Lightroom, Bibble, Aperture (sur Mac) ou encore DXO Optics… permettent des réglages très pointus.
• Inconvénients :
  – Le format de fichier Raw s’adressant à des photographes avertis, il nécessite des connaissances sérieuses en matière de développement photographique.
  – Les fichiers Raw sont spécifiques à chaque constructeur et/ou appareil (.crw chez Canon, .nef chez Nikon, rw2 chez Panasonic). Par conséquent un logiciel spécifiquement dédié (fourni parfois par le fabricant) est nécessaire pour les ouvrir et les traiter, à moins d’utiliser les logiciels susnommés (souvent assez onéreux).
  – Du fait qu’ils conservent toutes les données issues du capteur sans compression, les fichiers Raw pèsent plus lourd que les autres types de fichiers. Cela peut compter au moment de sauvegarder des galeries entières de photographies !

Dng

À l’instar du Pdf pour les mises en page (PAO), le .dng a été créé par Adobe pour tenter de fédérer tous les fichiers Raw au sein d’un même format universel. Malheureusement, pour des raisons commerciales, les grands fabricants d’appareils ne souhaitent pas forcément adopter ce format. En revanche, les logiciels « derawtiseurs » comme Lightroom ou RawTherapee permettent de sauvegarder vos photographies en .dng. Avec le risque que ce format ne devienne jamais un standard… Il est par conséquent toujours recommandé de conserver ses images dans un format plus universel.

Tiff (Tagged Image File Format)

Le .tiff ou .tif fait partie de ces types de fichiers bitmap utilisables sur n’importe quelle plate-forme et reconnus par la quasi-totalité des logiciels d’image. Certains boîtiers permettent d’enregistrer en Tiff dès la prise de vues.

• Avantages :
  – Format bitmap universel.
  – Non-destructeur : la compression LZW (optionnelle) n’altère pas la qualité de l’image originelle.
  – Gère la transparence à travers la couche Alpha.
  – Contient toutes les informations destinées à la calibration, aux profils colorimétriques… Permet l’enregistrement en N&B, Quadrichromie (CMJN), RVB (Affichage), Couleurs Lab etc. Le Tiff est très utilisé dans le monde professionnel, en particulier la PAO (publication assistée par ordinateur) où il est le format d’image de prédilection.
• Inconvénients :
  – Fichier un peu lourd du fait de la faible compression.

Jpeg

(JPEG File Interchange Format)
Le .jpg est un format initialement destiné au Web, et non à la photographie. Mais les boîtiers proposent de sauvegarder les images en Jpeg, avec en général différents niveaux de qualité.

• Avantages :
  – Fichier léger (facile à sauvegarder et à transmettre).
  – La compression peut être ajustée en fonction des besoins.
  – Format universel et multi-plateformes reconnu par la totalité des ordinateurs, tablettes et smartphones dans le monde.
• Inconvénients :
  – Format destructeur : le Jpeg altère la qualité de l’image en compressant, perdant des informations à chaque fois qu’il est sauvegardé. Il introduit des artefacts parfois très visibles dans le cas de compressions importantes.

À retenir :

• Un photographe averti souhaitant développer ses prises de vue de manière poussée (post-traitement) choisira de préférence le fichier Raw comme type de fichier par défaut pour conserver une qualité irréprochable. On pourra également, sur les appareils les plus évolués, enregistrer en Raw+Jpeg. Vous conserverez alors le fichier brut, tout en ayant un Jpeg comme aperçu des effets éventuellement choisis à la prise de vues (contraste, styles d’images, noir et blanc etc.).
  Exemple : vous pouvez choisir de réaliser la prise de vues en noir et blanc, mais le Raw conservera ses informations de couleur dans le logiciel de traitement. Le Jpeg pourra alors vous servir de modèle pour repasser l’image en N&B.
• Si vous ne pensez pas retravailler vos images en profondeur, vous pourrez choisir le Tiff. Compte tenu de la capacité des cartes-mémoires actuellement, le Tiff -même s’il compresse peu- n’est pas rédhibitoire. Sinon, vous pouvez vous contenter du Jpeg, mais en qualité maximum (Qualité 12).
• Après post-traitement de l’image, en particulier si vous travaillez à partir des Raw, pensez à toujours sauvegarder une copie dans un format de fichier universel (Tiff, Jpeg Qualité max.). Dans le cas des Tiff, on pourra sauvegarder en qualité d’échantillonnage 16bits pour conserver un maximum de valeurs de tonalités dans l’image, mais le poids des fichiers n’en sera que plus important. Les logiciels d’image gèrent prennent en charge de plus en plus le mode 16bits.

Png (Portable Network Graphics)

On est ici encore dans le domaine d’internet, le .png n’étant pas à proprement parler un format photographique. Mais destiné à remplacer le Gif, il présente certains avantages et vous serez amené à le rencontrer de plus en plus souvent sur le Web.

• Avantages :
  – Gère la transparence (couche Alpha).
  – Fichier Bitmap (jusqu’à 16 bits) relativement léger.
  – Compression dite « lossless », c’est à dire sans perte de qualité.
  – Fichier parfois plus léger qu’un Jpeg pour une image donnée.
• Inconvénient (?) :
  – Malgré ses atouts, encore trop souvent délaissé par les professionnels d’internet.

Webp

Créé par Google en 2011, ce nouveau format est un hybride entre un Png et un Gif. Destiné au web, il a pour ambition de réduire davantage le poids des fichiers.

• Avantages :
  – Gère la transparence (couche Alpha).
  – Fichier Bitmap encore plus léger.
  – Possibilité de compression sans perte de qualité avec Webp Lossless.
  – Possibilité d’animations à l’instar du Gif.
• Inconvénient (?) :
  – Ce type de fichier encore jeune n’est pas encore bien intégré aux applications. Convertir vos Jpeg en Webp n’est pas toujours facile. Je vous recommande XnConvert. Il vous permettra de convertir vos images par lots en paramétrant de nombreux réglages de sortie, y compris le redimensionnement.

Autres types de fichiers

Au-delà de ces fichiers qui sont les plus couramment utilisés aujourd’hui, il en existe d’autres qu’il est bon de connaître.

• .eps (Encapsulated PostScript) : fichier propre à l’imprimerie qui contient à la fois des éléments vectoriels (dessin) et bitmap (images pixel)
• .pdf : créés par Adobe et destinés à l’impression, ces fichiers regroupent en un seul fichier mise en page, textes et dessins vectoriels tout en appliquant une compression Jpeg réduisant le volume du fichier global.
  Principaux avantages : un seul document peut comprendre de nombreuses pages ; format universel.
• .pcd (PhotoCD) : créé par Kodak pour transférer les négatifs photo sur CD. Presque totalement disparu aujourd’hui.
• .Pict : format de fichier pour Mac. Est utilisé souvent comme fichier de travail mais pose des problèmes de colorimétrie. Très peu utilisé.
• Viennent ensuite les types de fichiers propres aux logiciels dédiés à l’image :
  – .psd : Photoshop
  – .pcx : Paintbrush
  – .wpg : WordPerfect
  – .dxf : Autocad (CAO)…

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Sous ce nom barbare se cache en réalité une fonction bien pratique présente sur les appareils les plus perfectionnés, et qui tend à se démocratiser au fil des ans. Le mot « bracket » signifie ici « fourchette ». La pratique la plus courante est le bracketing d’exposition. Il s’agit de régler sur le boîtier une fourchette d’exposition dès la prise de vue. Concrètement, prenez 3 vues à la suite avec des réglages différents : une exposition centrée suivant le couple vitesse/ouverture choisi par le photographe, puis une sous-exposée et enfin une sur-exposée.

La plage d’exposition

L’intérêt de la technique réside dans la latitude qui vous est laissée pour paramétrer la fameuse fourchette de correction d’exposition. Les boîtiers récents les plus performants vous permettent de paramétrer jusqu’à 7 voire 9 IL d’écart. De manière plus courante, la plupart des appareils offrent une latitude de + ou – 3 IL. C’est bien souvent suffisant.

Utilisation du bracketing

La fonction de bracketing se trouve en général dans les réglages avancés du boîtiers. Consultez le manuel de votre appareil afin d’identifier le menu ou la touche la mettant en œuvre.

À main levée, utilisez le bracketing la plupart du temps conjointement avec la rafale afin d’obtenir 3 cadrages les plus similaires possibles. Sinon, l’utilisation d’un trépied est recommandée dans le cas de sujets statiques.

Intérêts

• Le principal intérêt du bracketing réside dans la possibilité de prendre trois vues dont l’exposition est décalée. Vous conserverez la meilleure au moment du post-traitement. Ce procédé est particulièrement utile dans les situations d’éclairement très contrasté.
  Par exemple en cas de fort ensoleillement, surtout si votre appareil affiche l’image sur un écran LCD et que le contrôle de l’exposition s’avère délicat.
• Le bracketing associé au mode rafale présente un autre grand intérêt dans la réalisation de vues en HDR (High dynamic range) puisque ce dernier nécessite la fusion de plusieurs vues à différentes expositions.

Ci-dessous, un exemple de bracketing d’exposition avec une fourchette de 2 IL.
De gauche à droite la sous-exposition -2 IL, puis la valeur de référence choisie par le photographe, et enfin la surexposition de +2 IL.

Le bracketing d’exposition tient compte du réglage initial que vous avez déterminé. Ainsi, choisissez de surexposer la première vue d’1 IL, les deux autres valeurs seront réglées en conséquence.

Vous pouvez appliquer le bracketing à d’autres paramètres que l’exposition, notamment la mise au point. Particulièrement utilisé en macro-photographie, prenez -manuellement- plusieurs vues en décalant un peu la mise au point. Votre objectif est de vous assurer qu’au moins l’une d’entre elles sera correcte.

Certains flashes permettent également le bracketing, tout comme certains boîtiers permettent le bracketing de la sensibilité.

Enfin, le bracketing de balance des blancs vous permet d’appliquer plusieurs réglages de température de couleurs à une même photographie.

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Avant d’évoquer la correction d’exposition proprement dite, rappelons le principe de base. Nous l’avons vu précédemment, la bonne exposition d’une image est conditionnée par la quantité de lumière reçue par le capteur (ou le film). Elle correspond à ce que l’on nomme « indice de lumination » noté IL (ou EV en anglais).

En voici quelques exemples :

• Intérieur d’une église : 5 IL
• Intérieur d’une maison : 7 IL
• Temps nuageux : 10 IL
• Coucher de soleil : 11 IL
• Ciel voilé : 13 IL
• Plein soleil : 15 IL

Malgré le perfectionnement croissant des algorithmes de calcul des boîtiers récents, et la relative précision des cellules mesurant l’exposition, une prise de vues ne satisfait pas toujours pleinement le photographe exigeant.
Ce dernier dispose alors d’un outil qui va lui permettra de corriger manuellement l’exposition, de manière parfois plus intuitive, plus rapide et surtout plus précise encore. Il s’agit de la sous-exposition / sur-exposition, présente même sur les compacts évolués.

La correction d’exposition sur l’appareil

Selon les appareils, l’exposition pourra être modifiée par incréments de 1/2 voire 1/3 IL, dans une limite de + ou – 3 IL. En passant par le menu de réglages de prise de vues de l’appareil, ou au moyen d’une roue crantée du boîtier, le photographe peut corriger une exposition approximative en déplaçant un curseur sur une échelle affichée à l’écran. Elle se présente sous cette forme.

Ici, le curseur est sur « 0 », le réglage est donc neutre : l’appareil respectera ce que la cellule lui a indiqué.

Voyons maintenant les deux types de correction d’exposition possibles en fonction de la situation.

Sur-exposition

Le contre-jour

Une situation classique est le contre-jour, où une lumière violente éclaire le sujet par l’arrière. Dans pareil cas, et sans flash, votre sujet se trouvera à coup sûr tout sombre (sous-exposé), sur un fond entièrement brûlé (sur-exposé).
La parade consiste à tromper votre appareil. En effet, si celui-ci n’expose pas correctement le sujet, c’est parce que la cellule qui lui sert à mesurer la quantité de lumière est éblouie. Ainsi, croyant que le sujet est très lumineux, l’appareil va choisir un couple vitesse/ouverture qui va “assombrir” l’ensemble de l’image. Il faut donc lui demander de sur-exposer globalement l’image pour que votre sujet principal retrouve bonne mine. Le fond risque d’être entièrement brûlé, mais il l’aurait été de toutes façons.

La neige et la plage

Ce sont typiquement des cas où il est impératif de sur-exposer, à moins de recourir à la mesure Spot (ou le fill-in au flash). En effet, la réflexion de la lumière sur la neige ou le sable crée un éblouissement comparable au contre-jour qui trompe la cellule.
Ici, sans sur-exposition, la neige eût été plus détaillée mais les enfants trop sombre.

Sous-exposition

Dans d’autres cas, il peut être nécessaire de sous-exposer la photo. Il s’agit des situations où le sujet principal est plus lumineux que le reste de l’image. On décalera alors l’exposition pour qu’elle “assombrisse” la totalité de la prise de vue. Ici, afin que la feuille manuscrite révèle tous ses détails, il a fallu sous-exposer de 2 IL. L’environnement s’en est trouvé légèrement sous-exposé, mais il a été possible de corriger cet effet au post-traitement, d’autant que le fond ne présentait de toutes façons pas d’intérêt. Sans la sous-exposition, la feuille aurait semblé vierge, les écritures ne seraient pas apparues.

À noter que l’utilisation de la mesure spot sur la partie blanche du papier eût produit le même résultat.

NB : depuis l’ère de l’argentique les photographes ont pris l’habitude de légèrement sous-exposer leurs clichés. En plus de leur conférer une plus belle densité, cela permet de conserver tous les détails dans les hautes lumières. En effet, ces derniers sont plus difficiles à corriger que les ombres en post-traitement. En revanche, s’agissant de numérique, on se méfiera de conserver des valeurs raisonnables (proches de la bonne exposition) sous peine de faire apparaître un bruit numérique excessif dans les ombres. Sinon, un peu de fill-in au flash pourra rééquilibrer les densités d’une scène trop contrastée.

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Tout d’abord, que désigne-t-on par « exposition » ? Comme nous l’avons vu précédemment, pour une sensibilité donnée, le capteur (ou le film) a besoin d’une certaine quantité de lumière pour être bien exposé. Cette quantité de lumière est donc déterminée par un couple liant une ouverture (diaphragme) et une vitesse (obturateur). Ces réglages doivent permettre à l’image d’offrir tous les détails souhaités par le photographe.

Les différents modes de mesure d’exposition

Mais encore faut-il que le boitier puisse mesurer la quantité de lumière qui arrivera jusqu’au capteur (ou film). Or, dans des cas où le contraste est important, cette tâche risque de ne pas être facile. La cellule qui effectue les mesures doit-elle privilégier les ombres, ou les hautes lumières ?

Tous les appareils photographiques évolués -même compacts- proposent aujourd’hui différents modes d’exposition qui permettent, en fonction de la luminance, de fournir une indication au boîtier sur les réglages qu’il doit adopter pour exposer correctement la vue. Il s’agit, en quelque sorte, pour le photographe de contraindre la cellule à se comporter comme il le souhaite.

Mesure Globale (ou Évaluative, ou Matricielle)

On l’utilisera par défaut. Dans ce mode, l’appareil mesure la lumière sur la totalité de l’image cadrée, effectue une moyenne globale, et choisit les paramètres qui conviennent à l’ensemble de la scène.

Situation : dans la majorité des cas, votre boîtier restera en mode de mesure globale (ou matricielle), et vous fournira une exposition tout à fait correcte, équilibrant les ombres et les hautes lumières sans qu’il soit besoin de corriger quoi que ce soit. Mais un capteur, à l’instar du film argentique, n’est en mesure d’encaisser qu’un écart limité de contraste entre les ombres et les hautes lumières (moins de 15 IL pour les meilleurs d’entre eux). Un éclairement très contrasté, au-delà de ces valeurs, vous obligera donc à faire un choix. Les autres modes d’exposition peuvent alors vous aider à améliorer vos prises de vues.

Mesure pondérée centrale (ou partielle, ou sélective)

Il s’agit d’un mode qui privilégie le centre de l’image (environ 15%), ou du moins la partie de l’image sur laquelle est effectuée la mise au point. Pour déterminer le réglage adéquat, le boîtier accorde une importance prépondérante au sujet, au détriment du reste de la scène, et effectue une moyenne pondérée de l’ensemble.

Situation : un cas typique est celui d’une situation très contrastée, où le sujet baigne dans la lumière, alors que le reste du cadre est dans la pénombre. Ici, on choisira la mesure Pondérée centrale afin d’exposer correctement la bâtisse, quitte à laisser les feuillages dans la pénombre, en ombres chinoises. En choisissant de poser pour la bâtisse, on s’assure que cette dernière sera correctement exposée. En mesure globale, l’appareil trompé par les feuilles sombres encadrant l’image, eût immanquablement surexposé le sujet principal, perdant les détails de la pierre. En pondérant le centre de la photographie, on conserve la bonne exposition, et l’ensemble des détails.

Mesure Spot

Ce mode, destiné aux photographes avertis, mesure la quantité de lumière présente dans une partie très précise de l’image -environ 5 à 7% seulement selon le boîtier- correspondant au centre du cadrage ou au collimateur de mise au point sélectionné. L’appareil ne tient alors pas compte du reste de l’image pour effectuer ses réglages.

Situation : la mesure Spot n’est rien d’autre qu’une Pondérée centrale poussée à l’extrême. On diminue encore le champ de la mesure d’exposition à une zone très réduite (environ 5 à 7% du cadre). Ainsi, on est garanti que le sujet principal sera parfaitement exposé, quitte à délaisser le reste de la photographie. Ce mode de mesure d’exposition est particulièrement efficace lorsque le sujet se détache véritablement du fond, soit parce qu’il est beaucoup plus éclairé que le fond, soit parce qu’il est beaucoup plus sombre que son environnement.
Ici, les tasses sont baignées de lumière alors que le reste de la scène reste dans la pénombre. Le photographe a donc choisi de mesurer l’exposition en mode Spot, en prenant soin d’effectuer la mise au point sur une tasse, pour s’assurer que les zones les plus claires conservent du détail. S’il avait utilisé la Mesure globale, les hautes lumières auraient été brûlées et les tasses toute blanches.

NB : les boîtiers évolués permettent, à travers des fonctions personnalisées, de coupler le collimateur de mise au point avec la mesure d’exposition Spot, offrant ainsi la possibilité de mesurer la quantité de lumière directement sur le sujet -même excentré- sans recourir à la mémorisation d’exposition.

La mémorisation d’exposition (AE Lock)

Lorsque vous changez de cadrage, l’appareil adapte au fur et à mesure l’exposition en fonction de la quantité de lumière qui pénètre dans le champ. Or il arrive que l’on souhaite recadrer tout en fixant l’exposition une bonne fois pour toutes. C’est le cas par exemple lorsque vous souhaitez réaliser un panorama de plusieurs vues, et que par conséquent vous voulez conserver la même luminosité sur toutes les images qui seront assemblées par la suite.
Vous trouverez donc sur les boîtiers évolués un bouton *AE à proximité du déclencheur. Il permet d’obtenir le bon réglage et de bloquer l’exposition qui vient d’être mesurée afin de pouvoir changer de cadrage sans que celle-ci s’en trouve modifiée.

1. Vous mesurez l’exposition
2. Vous la bloquez (*AE)
3. Vous recadrez
4. Vous déclenchez…

De nombreux boîtiers proposent aujourd’hui une fonction intitulée AF/AE qui couple à la fois la mise au point autofocus et l’exposition une fois le bouton enclenché.

Des ombres peuvent toujours être éclaircies en post-traitement. En revanche, des hautes lumières brûlées ne pourront pas être récupérées, faute d’information utilisable.

Dans une scène très contrastée, on privilégiera donc souvent le détail dans les hautes lumières au détriment des ombres. On appelle cela « poser pour les hautes lumières », c’est à dire que l’on fait en sorte de conserver des nuances de gris dans les blancs, quitte à enterrer légèrement les noirs.

On verra dans la prochaine leçon qu’il est parfois préférable de poser pour les ombres, ou que des méthodes comme le HDR existent pour augmenter a posteriori la plage dynamique d’une image, mais dans tous les cas il appartient au photographe lui-même d’effectuer ses choix au moment de la prise de vues.

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Avant d’aborder la question de la balance des blancs (ou balance des couleurs) proprement dite, il convient de rappeler quelques connaissances ayant trait à la température de couleur. En effet, la lumière étant composée d’un spectre de couleurs perceptibles ou non par l’œil, sa température varie selon la source de lumière.

L’unité : le Kelvin (K)

La température de couleur de la lumière visible est exprimée en Kelvin (K). Elle s’étend de 1 800K à 6 500K environ. Plus la température de couleur est basse plus la couleur perçue est rouge. Par exemple, 2 000K correspondent approximativement au coucher du soleil. À l’inverse, une température élevée indique une lumière plus bleue, 5 000K-6 500K étant traditionnellement considéré comme la lumière naturelle normée. Il est d’ailleurs amusant de noter que la progression des températures de couleur de la lumière est inverse à notre perception subjective. En effet nous considérons comme couleurs chaudes celles qui tendent vers le rouge. Inversement, nous semblent froides celles qui tendent vers le bleu.

La balance des blancs : définition et usages

La balance des blancs est donc un réglage présent sur tous les appareils numériques. Elle offre la possibilité d’étalonner le capteur en fonction de l’éclairage. On la nomme ainsi car, au départ, il s’agit d’indiquer à l’appareil comment il doit interpréter la couleur.

• Méthode traditionnelle : elle consiste tout simplement à viser un objet blanc (classiquement une feuille de papier). On indique ainsi à l’appareil le blanc « neutre » de référence. Bien effectuée, cette mesure est la plus fiable, mais également la plus rapide.
• Auto : tous les appareils numériques permettent la mesure automatique de balance des blancs. Il s’agit d’ailleurs presque toujours du paramètre par défaut. C’est donc ici le boîtier lui-même qui va régler la balance automatiquement. Bien qu’étant correcte et en constante progression, cette fonction n’est pas d’une exactitude sans faille et est susceptible de ne pas satisfaire un photographe exigeant.
• Pré-réglages : la plupart des APN comportent aujourd’hui des pré-réglages. Ils correspondent au type de source de lumière qui éclaire le sujet, y compris artificielle. Le photographe n’a qu’à sélectionner le paramètre ad hoc pour obtenir des couleurs fidèles au rendu souhaité. Un éclairage néon produit par exemple une dominante verdâtre. Elle sera corrigée en choisissant le réglage « Néon ».
• Réglage manuel en Kelvin (K) : enfin, les boîtiers les plus pointus offent la possibilité de régler directement et très précisément la balance des blancs en paramétrant manuellement les Kelvin.

Ci-dessous, de gauche à droite :
Balance Auto – Ensoleillé – Nuageux – Ombre – Lumière incandescente – Néon – Kelvin

NB : La balance des blancs est à refaire chaque fois que l’on change de conditions d’éclairement/éclairage.

La balance des blancs en images

Ci-dessous, la même photo réalisée sous lumière incandescente avec différents réglages. On constate que la balance automatique a totalement corrigé la dominante orangée de la lampe à filament. Elle restitue donc une couleur relativement neutre à l’image.

Balance des blancs Auto.
Le résultat est plutôt neutre et répond aux attentes. Le résultat est conditionné par la qualité de l’appareil photographique qui saura plus ou moins corriger seul la dominante de couleur.

Balance des blancs sur « nuageux »
Bien sûr, ce réglage étant destiné à corriger une dominante bleu/cyan, l’image rendue en lumière incandescente est très jaune/rouge.

Balance des blancs sur « ensoleillé »
Ici, le réglage doit corriger une dominante jaune principalement. Il a donc un peu corrigé cette nuance, mais pas le rouge propre à la lumière incandescente.

Balance des blancs sur « Incandescent »
Ce réglage est censé être le mieux adapté à la situation, pourtant il conserve une légère dominante jaune. En effet, l’intérêt est de conserver l’ambiance chaleureuse en ne corrigeant pas totalement la couleur. On conserve ainsi l’atmosphère de la scène telle qu’on l’a vue.

Selon les boîtiers, la qualité de correction des dominantes de couleur peut varier considérablement. Chacun devra expérimenter les différents paramètres de son appareil pour choisir à la prise de vues la correction qui lui convient le mieux.

NB : On n’hésitera pas à utiliser le réglage Kelvin qui offrira une plus grande précision, à condition de bien le maîtriser. Connaître par cœur les valeurs les plus courantes facilitera le réglage.

Pour plus de précisions techniques sur la couleur, voir aussi la leçon Tirage et impression. Également plus de détails sur la balance des blancs sur Wikipedia.

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La profondeur de champ dépend de plusieurs facteurs

– La distance de mise au point (MAP).

Plus la distance entre l’appareil et le sujet est courte, plus la profondeur de champ sera réduite. Inversement plus le sujet est éloigné, plus la zone de netteté s’accroît.

La profondeur de champ est proportionnelle à la distance de mise au point

– La focale

La profondeur de champ est aussi conditionnée par le choix de la focale. Plus la focale est longue plus la profondeur de champ est courte

La profondeur de champ est inversement proportionnelle à la focale

Grand-angulaire (28 mm) : zone de netteté importante.
Téléobjectif (300 mm) : zone de netteté faible.

Sauf à rechercher un effet, on utilisera traditionnellement ce type d’objectif :

• un grand-angulaire (28 mm) pour les paysages si l’on souhaite qu’ils soient entièrement nets et détaillés
• une focale standard voire moyenne (50-135 mm) pour le portrait (flou léger et esthétique en arrière-plan, autrement appelé bokeh)
• Un téléobjectif (300 mm) pour détacher le sujet sur fond flou

– L’ouverture

La profondeur de champ est aussi fonction de l’ouverture.

Plus on ferme le diaphragme (f/16), plus la profondeur de champ est importante. A contrario, plus l’ouverture est grande (f/1.8) et plus la zone de netteté est réduite.

Si l’on souhaite que toute l’image soit nette, on s’attachera également à effectuer la mise au point sur le premier tiers de l’image.

La profondeur de champ est toujours plus importante derrière le sujet. La répartition est d’environ 1/3 devant et 2/3 derrière la mise au point.

Ci-dessous, la même prise de vues, focale 60mm (équivalent 120mm en 24x36mm) à différentes ouvertures. La MAP a été effectuée sur le mot « Pdf » (tiers bas/gauche de l’image) :

On voit bien que la profondeur de champ augmente au fur et à mesure que l’on ferme le diaphragme. Ainsi, les caractères qui étaient flous aux premier et arrière-plan ont gagné en netteté en fermant davantage, jusqu’à F/16. Toutefois, la prise de vues ayant été réalisée avec une focale macro (120 mm) à faible distance, il n’était pas possible d’obtenir une image entièrement nette.

Exemple

Ci-dessous deux vues d’une même scène.

• Distance de MAP

S’agissant d’une prise de vues de très petits objets (macrophotographie), la distance de mise au point extrêmement courte accentue l’effet

• Focale

On a utilisé ici une focale de 60mm (sur un capteur micro 4/3 équivalant à un 120mm en plein-format ou full frame). Pour des sujets proches de  30cm environ, cela représente une focale relativement longue.

• Ouverture

On constate que le parti pris est très différent selon que l’on ouvre en grand le diaphragme (f/2.8 pour la première) ou qu’on le ferme complètement (f/22 pour la deuxième).

Moyen mnémotechnique

Plus le numéro du diaphragme est élevé, plus zone de netteté est importante.

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